Quelle Différence Entre art Moderne Et art Contemporaine?

Quelle Différence Entre art Moderne Et art Contemporain ?

Lorsqu’il n’invente pas, l’art moderne génère -sous des formes trompeuses- les mêmes clichés plastiques qui édulcorent les œuvres des artistes décorateurs officiels. Il nous parle des états d’âme de la critique et des messages que les artistes sont supposés transmettre, ne s’intéressant que superficiellement à l’élaboration des phénomènes plastiques. Si les revues automobiles ne s’intéressaient aux véhicules qu’en termes de confort et d’esthétique, ne se préoccupant ni de mécanique ni d’ergonomie, elles présenteraient probablement peu d’intérêt à nos yeux.

De façon générale ils abusent de procédés : camaïeux, dégradés, géométrisation, stylisation, etc. Ceci demanderait évidemment à être approfondi : autant que sa vision du monde, les audaces prises avec les règles -la façon de désobéir- expriment la singularité de l’artiste. Les réponses comportant seulement le qualificatif “complémentaires” ont été prises en compte.

Ce qui fait la force d’un texte : l’originalité des idées, la confrontation des mots, les libertés prises avec la langue, dérive vers le superficiel lorsque l’on écrit sur la peinture. C’est pourtant un fait de nature comparable qui caractérise les revues d’art.

En fait, il nous est difficile -presque impossible- d’aborder librement une oeuvre d’art. Parler d’une oeuvre d’art moderne et durable est plus idiot que de parler des valeurs éternelles de la Standard Oil. On retrouve cette tendance dans les tableaux d’art moderne ayant pour support des paysages. Support obligatoire de l’émotion, le fait pictural est une affaire d’accords, de contrastes, d’oppositions, qui jouent -sans que nous en soyons conscient- un rôle important dans notre perception de l’œuvre d’art.

Le fait est que la société des beaux-arts s’accommode bien du flou. La provocation en art est rarement gratuite, elle met à nu les complexes psychiques en œuvre au sein d’une société ou d’un groupe d’individu donné. Elle suppose que nous croyons penser alors que nous “sommes pensés ». Bientôt, nous aussi nous pourrons donc en bénéficier ! Elle nous présume somnambules. L’art, qu’on dit libérateur, n’est peut-être qu’une illusion qui nous fait oublier, comme l’a dit Rimbaud, que nous sommes absents au monde.

L’art moderne a mis en lumière le fait que les artistes sont mal compris par ceux qui ont pour propos d’étudier, d’apprécier, et de gérer leurs œuvres. Cette notion d’absence est ambiguë : elle désigne à la fois le vide, la vacance, et le flot anarchique, incontrôlable, de nos pensées. Il existe même une femme possédant sept doigts à la main gauche dans une toile de 1939. Celà n’empêche pas cette main et cette peinture d’être très réussies. C’est une expression qui existe d’abord pour elle-même, dans l’indépendance et dans l’exigence. Le langage plastique, qui s’autorise (comme la littérature) des audaces, a lui aussi ses règles qui sont souvent mal connues de ceux dont le métier consiste d’abord à écrire.

Le jour du drame, il avait d’abord cherché à acheter un ticket pour la plateforme d’observation du Shard, le plus haut gratte-ciel au Royaume-Uni. Le bleu sera toujours complémentaire de l’orange et un objet clair paraîtra toujours plus grand sur un fond sombre, (etc).“Les mêmes principes et les mêmes éléments se retrouvent dans toute expérience artistique.” (Picasso). On observe également une plus grande liberté dans les couleurs. Vivant dans l’incertitude de ce que sera l’avenir de leur fils, ils craignent qu’il ne puisse plus jamais faire confiance à quiconque et qu’il voie en toute personne qui lui est étrangères une “menace”.

La force de l’art moderne

Dans nombre d’ouvrages, des réalisations d’intérêt discutable côtoient des œuvres admirables sans qu’aucune distinction soit établie. Chez Derain, Vlaminck, Matisse, ce sont les couleurs jetées en aplats qui donnent de la force aux compositions : les ocres, les oranges, et les rouges côtoient avec bonheur les verts ou les bleus. Ce n’est pas forcément pour des raisons narratives que Survage, en son temps, plaçait la couleur rouge au centre de ses compositions figuratives et que Van Gogh, un demi-siècle plus tôt, accordait les tourbillons du vent dans les blés aux arabesques des nuages. On peut distinguer dans l’art abstrait deux tendances principales, celle qui privilégie des formes organiques, gestuelles et spontanées – comme certaines œuvres de Kandinsky – et celle qui développe des formes géométriques plus construites et maîtrisées, comme dans les tableaux de Mondrian ou de Malevitch. Cependant, nombreux sont les peintres, Kandinsky et Klee parmi les plus connus, qui citent la musique comme source d’inspiration. 37 – Parmi ces trois toiles de Picasso désignez l’œuvre qui vous semble la plus réussie.

Réponses des amateurs d’art : Un peu plus d’une personne sur deux a donné la bonne réponse. Elle a démontré que les amateurs d’art sont parfois mieux armés que les professionnels pour comprendre l’art de notre temps. La typographie ne communique pas seulement l’information : elle est l’élément principal de design sur la page. Porter un regard critique sur une œuvre d’art n’empêche pas d’y être sensible ; ce n’est pas parce qu’on sait comment elle fonctionne qu’on l’apprécie moins. Les peintres sont les premiers à souligner que pour être bien perçue la peinture demande, comme complément nécessaire à la sensibilité, un certain apprentissage du regard.

Les peintres surréalistes explorent le rêve et l’imaginaire avec un goût particulier pour l’absurdité. Les collections publiques d’art spontané font voisiner aimables passe-temps et œuvres fortement inspirées. La critique d’art est de son côté le lieu idéal des phrases creuses, de l’auto-satisfaction, de l’auto-analyse inconsciente. La forme, que la critique d’art a occulté au profit du fond, conserve son importance dans l’esprit des artistes, qu’ils soient modernes ou contemporains.